Огненный танец или танец с огнем - не новое явление в жизни человеческого общества. Вероятно, уже во времена античности танец отделился от пантомимы.
Танец это
В прошлые века на примитивной сцене, наспех сооруженных площадках, в передвижных балаганах разыгрывались сюжеты, которые использовали в качестве тематического первоисточника религиозно мифологические и жанровые сценки. Пластика танца создавалась участниками представления и имела отвлеченный характер, лишь элементы народного танца вносились в сюжет в виде придатка, именного до неузнаваемости.
Творческие коллективы знакомят людей со своим искусством, популяризируя истинно народные шедевры танцевальной культуры, при этом удачная творческая находка становится достоянием многих, если она органично сочетается с истинно народным танцем.
Вытравить национальный дух из танца невозможно. Этому в первую очередь помешают метрическая и ритмическая структура национальной музыки, особенности характера и координации движений, а главное манера исполнения, повадка. Узбек не станцует, как русский; негритянский танец не спутаешь с шотландским. Только оторванная от национальных истоков культура перестает быть самобытной.
Значит, главная задача сейчас: собирать, фиксировать и сохранять фольклорный танец как традиционную культуру СЕГОДНЯШНЕГО дня, как искусство, которое создано народом и видоизменяется под его же влиянием.
Качественная сторона эволюции фаер шоу определяется не столько степенью технического совершенства. позы, движения, эффекты, манера, исполнения очень долго остаются неизменными, изменяется их сочетание и выразительность. Фольклорная музыкально-пластическая культура народа получает на сцене вторую жизнь после некоторой обработки. Если постановка огненного шоу - танца подготовлены к исполнению на сцене якобы без участия хореографа, то можно смело цитировать К. Станиславского: «Не верю!» В фаер шоу всегда присутствует множественный повтор одинаковых Движений и фигур. Зрелищность диктует необходимость в ювелирном и грамотном удалении излишних деталей, изменений в рисунках танца, исполнении движений, в выборе удобного и выгодного ракурса для зрителя, а иногда даже в изменении или дополнении образных задач, но в духе и характере артистов, создающих этот танец.
Характерно-классический танец. Характерный танец — это название академической формы национальных видов танца. В отличие от народного танца в его основу заложены приемы профессиональной системы, поэтому характерному танцу свойственен национальный колорит, то, что придает происходящему на сцене событию особую достоверность и обаяние. Характерный танец сохраняется и пропагандируется ансамблями народного танца.
Термин «характерный танец» в первоначальном значении применялся для танца с большим количеством национального характеристического материала, а позднее, сценической (академической) обработке народного танца, усложненного профессиональными приемами.
Название танца «характерно-классический» укоренилось среди профессиональных театральных танцовщиков. Имея своей базой классический танец и будучи при том обработанной формой народного танца, он несет в себе характеристическую основу и стремится слиться с народной формой танца. Это испанский, польский и итальянский танцы в «Лебедином озере», половецкие пляски в опере «Князь Игорь», восточные танцы в «Бахчисарайском фонтане», русские танцы в «Коньке-Горбунке». Существование в рамках одного балетного спектакля разных форм танца вполне естественно. Здесь характер народный танец подчеркивает место и время действия.
Как самостоятельная танцевальная система появился в европейском театре. Основные элементы сложились в античности и совершенствовались профессиональными исполнителями на протяжении веков. Родиной танца принято считать Италию, а развитие он получил во Франции, где и приобрел терминологию, которой хореографы всех стран пользуются до сих пор. И все же общепризнанная академическая форма танца родилась в России. Классический танец создавался путем тщательного отбора отдельных положений тела и движений, обладающих законченностью и определенностью, а также позволяющих использовать пластические возможности человеческого тела. Несмотря на то что классический имеет ограниченное количество движений и поз, его эстетическая ценность от этого не страдает. Право на долгую жизнь он завоевал способностью бесконечно комбинировать свои относительно скудные запасы движений и сливаться со смежными танцевальными формами, не теряя при этом своего лица.
Важнейший принцип выворотность, то есть умение танцовщика (цы) свободно развертывать ноги наружу, от бедер до кончиков пальцев, достигается путем Длительных упражнений. Выворотность позволяет использовать боковые движения, а в прыжке и на пуантах помогает добиваться втянутости и максимальной собранности, предупреждающей возможные случаи травматизма. Как учебная дисциплина (тренаж) классический танец является танцевальной гимнастикой, необходимой для развития выразительных средств исполнителя. Основным в преподавании классического танца является направленное раскрепощение всего‚ двигательного аппарата танцовщика с конечной целью добиться максимальной свободы и широты при исполнении любых движений. Классика дает возможность использования множества различных вариантов устойчивого положения тела и способствует общей координации танцовщика в пространстве. Танцевальные уроки с большим количеством прыжков помогают овладевать «полётностью». У некоторой «затянутости» тела есть свои преимущества — великолепные результаты при работе над «заносками», что возможно лишь при максимальной собранности. Излишняя, самодовлеющая техничность, «бисерность» враг образности, но без отточенной техники исполнения нет филигранности.
Канонизированные позиции рук и ног уравновешивают тело и вырабатывают устойчивость, но частично лимитируют пластику. И тем не менее классический танец направленно способствует развитию исполнительских возможностей, таких как выворотность, чистота поз и лёгкость прыжков, гармония линий и пластика движений.
Фаер шоу требует от артиста:
Требует смелости и точности к некоторому риску, от мужчины силы и ловкости, все это при непременном условии исключительной собранности и внимании. Исполнители должны объединять слаженность, единый темп и ритм. Коллектив должен работать как единый механизм. Выходы уходы, поджег реквизита своевременный, не нарушение техники безопасности. Множественные спец-эффекты срабатывают на концертной площадке и могут мешать артисту при исполнении танца, однако профессиональному танцору - жонглеру - артисту, это не является помехой. Ко всему этому можно добавить, что пиротехнический реквизит и стационарная (наземная, высотная, парковая ) пиротехника задымляет площадку фаер шоу, особенно если это свадебное выступление огненного шоу с большим количеством выстрелов - но артисты “Шоу Лучших Коллекций” подготовлены для всего этого, шум и запах не мешает работать и передавать образный манер исполнения танца.
Дует в танце
Хореографический дуэт является вставным элементом, сюжетом балетного спектакля или самостоятельным номером концертной программы (Дивертисментом номером в оперетте). В качестве музыкального сопровождения используются вальс, адажио и другие музыкальные формы, но быстрый темп требует филигранной техники помощи партнера.
В самых первых танцевальных комбинациях партнер только чуть чуть приподнимали от пола. Постепенно прыжки усложнялись настолько, что гений танец был выделен в отдельную дисциплину.
Дуэтные танцы условно подразделяются на два вида. Мерный из них имеет минимум поддержек, и в танце"их комбинациях партнер применяет их лишь изредко при исполнении движений или вращений, требующий его помощи. Это обогащает выразительные краски и рисунок действенного танца. с французского переводится как наполовину, отчасти, то есть «полу классика». И верно! Классический танец в таком хореографическом диалоге используется отчасти постольку-поскольку. А именно: позы, кое-какие движения, туры на пуантах, множество пробежек и с целью сделать очередное подготовительное движение поддержки, вплоть до головокружительных.
Порой найти в таком Дуэте границу, где заканчивается танец и начинается акробатика, трудно. Использование силовых приемов в классическом танце хореографы оправдывают малыми размерами концертных площадок. И в театрах оперетты, как правило, оставляют минимальную площадку для вставных номеров.
Иногда в каскадные танцы пытаются привнести какие-то национальные штрихи, однако этот поверхностный покров ни в коем случае не приближает их к народному танцу. Добавив в эксцентрику элементы народного танца (некоторые Движения, характерное положение рук) и даже нарядив танцоров в костюм, близкий к национальному‚ но оставив при этом стиль каскадного танца, можно только разнообразить краски, но дух зрелищно-развлекательного амплуа останется.
Модерн- новое танцевальное направление в огненном шоу.
Модерн — условное наименование изобразительного направления в современном танцевальном искусстве. Как самостоятельное течение возникло в начале ХХ века и имеет различные танцевальные школы.
Появление новой хореографической школы — результат поиска такого вида танца, который отвечал бы Духовным потребностям современного человека. Творческий поиск был направлен на изображение чувства в контексте с образными задачами. Это воспроизведение страстей, переживаний через ритм, тембр и настроение музыки, через логику чувств; это попытка раскрыть внутренний мир человека через символические и натуралистические жесты. Появились необычные сочетания движений, бесстрастных по своей обобщенности, или моделировались абстрактно-патетические образы, лишенные развития. Некоторые балетные спектакли в стиле модерн не имели четко развитой сюжетной линии, а основой содержания служил анализ узкого круга человеческих ощущений или определенного состояния человека. Предшественниками этого направления были Ф. Дельсарт и танцовщица Айседора Дункан. Сторонники модернизма призывали заменить «устаревший» классический танец свободным танцем. Подразумевалась сценическая импровизация движений, выражающих сиюминутное настроение и чувства исполнителей. Но как бы то ни было, эти артисты вводили в заблуждение зрителя: любые, подчеркиваю, любые импровизаторы, будь то музыканты-инструменталисты, танцоры или поэты (в том числе акыны в Средней Азии), используют в своих выступлениях «домашние заготовки».
Модернисты считали, что естественная пластика человека (без выворотности и пуант) Достаточно выразительна. Они объявили выворотность противоестественной и противопоставили классическому танцу свой абстрактно-чувственный, якобы импровизированный.
И не будем забывать, что на сцене всё понарошку. Даже чистая классика.
Во второй половине ХХ века между сторонниками классического танца и танца «модерн» была проложена тропа взаимопонимания — начался процесс взаимообогащения. К этому времени новые хореографы-модернисты многое переняли из опыта классического танца, разработали и опробовали такие сферы выразительности, как танцевальное состояние невесомости в космических танцах, состояние человека во сне и т. д.
Многие находки школы «модерн» сейчас используются в ритмопластике, а художественную гимнастику можно считать ее Детищем.
Сближение абстрактного и академического танца, об— рещение модернистов к классическому наследию, несомненно, расширили технические и пластические возможности нового течения в балетном искусстве, но не изменили ее сути.
Хореографов модерна увлекает бессюжетность, отсутствие единой драматургии. Они стремятся к анализу лишь отдельных чувств. Все эти искусственные самоограничения оставляли очень узкий плацдарм Для творчества, на— поминая углубленное изучение собственного пупка, в чем-то аналогичное с учением йоги. Вопрос о пользе или никчемности самоанализа, а это В равной степени относится и к учению йоги, ДО сих пор не решен, так как занятия этой системой кому-то Дают несомненную пользу.
